¿Por qué? Pues si uno está en su mullidísimo sillón dispuesto a dejarse conmover, seguramente se comenzará a poner tenso cuando creoquemozarteselmayorcompositorquehadadolahumanidad#1 nos aclare que el Réquiem se interpretó por primera vez unos días después de la muerte del compositor, el 10 de diciembre de 1791, a instancias del empresario Emanuel Schikaneder.

Después creoquemozarteselmayorcompositorquehadadolahumanidad#2 aclarará, que es imposible saber come se interpretó en aquella ocasión, ya que como todos sabemos Mozart estaba trabajando en la obra cuando murió, por lo cual quedó inconclusa.

Entonces creoquemozarteselmayorcompositorquehadadolahumanidad#3 intervendrá aclarando que de las 92 páginas manuscritas que dejó el compositor, sólo los primeros 48 compases del Introit están totalmente orquestados, y del resto están las partes vocales y algunos instrumentos. De hecho de la Lacrymosa Mozart sólo alcanzó a escribir ocho compases… creoquemozarteselmayorcompositorquehadadolahumanidad#3 interrumpe aclarando que aunque el Kyrie quedó muy avanzado seguramente fue Freystädler con ayuda posterior de Süssmayr quienes realizaron la orquestación que se escucho buena parte del siglo XIX y XX.

Creoquemozarteselmayorcompositorquehadadolahumanidad#3 aclarará, colérico, que la mano de Süssmayr es evidente en otras partes del Réquiem, no en el Kyrie.

Es en ese momento en que con la candidez que nos caracteriza aclaramos que es la versión de Süssmayr -que de hecho es la más “tradicional”, la que más se ha grabado- la que estamos escuchando. Claro, tengo las versiones completadas por Duncan Druce, la de Richard Maunder, la de Franz Beyer, la de H.C. Robbins Landon… ah, y la de Robert Levin, si es que prefieren escuchar otra versión.

Sobra decir que no me escuchan y siguen discutiendo, cada vez con mayor violencia. Opto por ponerme mis audífonos pero aún así escucho ocasionales gritos.

…la culpa es de Constanza [la viuda de Wolfgang]. Por querer cobrar toda la lana de la comisión dejo muy oscura la cuestión de que fragmento fue completado por quien…

…pero es evidente que la mejor adición fue la de Albrechtsberger….

…ese ni le metió mano, le dio miedo, como al Cruz Azul cuando juega con el América…

…Freystädtler, Eybler y Süssmayr, al ser pupilos de Mozart son las únicas manos calificadas para terminar la obra…

…¿y Maximilian Stadler?… el sólo superviso… revisando la caligrafía de los manuscritos nos damos cuenta…

Deja de ser divertido. Le subo el volumen a los audífonos. Prefiero quedarme en la compañía de brucknerianos/mahlerianos. No porque sean menos fanáticos, pero al menos son más divertidos. Y mejores bebedores.

Ah, por cierto. Vayan a escuchar hoy el Réquiem ¿Qué versión? Ni idea. En realidad, tampoco importa. Usted, paciente lector, vaya a disfrutar.

Solistas Ensamble del INBA

III Temporada 2008

Requiem, K. 626
Wolfgang Amadeus Mozart

Solistas Ensamble del INBA
Juan Carlos Lomónaco, director huésped
Eric Fernández, piano

Miércoles 1 de octubre, 19:00 horas

Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes

Mientras tanto, una selección con Karl Böhm y un elenco de super lujo:

]]> http://despuesdelamusica.wordpress.com/2008/10/01/cual_requiem_de_mozart/feed/ 1 Miguelito http://despuesdelamusica.wordpress.com/2008/07/31/la-bomba-atomica-en-la-opera/ http://despuesdelamusica.wordpress.com/2008/07/31/la-bomba-atomica-en-la-opera/#comments Thu, 31 Jul 2008 12:02:36 +0000 Miguelito http://despuesdelamusica.wordpress.com/?p=198 ]]>

Ayer releí uno de los libros que me gustan sobre la segunda guerra mundial: Germany’s Secret Weapon of WWII de Roger Ford. Siempre que leo ese libro me pregunto que habría ocurrido si Hitler hubiese tenido la bomba a tiempo.

También me pregunto como fue el ambiente de trabajo para su desarrollo durante la existencia del famoso proyecto Manhattan. John Adams ha compuesto la música de Doctor Atomic, ópera que narra los días previos a la primera detonación de una bomba atómica el 16 de julio de 1945 en Alamagordo, Nuevo México.

Si usted, amable lector, está acostumbrado al ritmo de la ópera convencional decimonónica y espera una trama con momentos dramáticos predecibles, además de claros momentos de lucimiento para soprano y tenor… pues esto no es para usted.

Es una especie de cuesta arriba de la ansiedad que culmina en los momentos cercanos a la detonación. Obra de tensión continua e intensa. Sin embargo Adams se las arregla para sonar variado a pesar de ser uno de los representantes más populares del minimalismo norteamericano.

Ha sido interesante seguir las variaciones de la ópera desde su estreno en el 2005. Para quienes creen que las obras maestras de la música clásica son obras cerradas y perfectas desde su concepción, es bueno recordar que muchas obras fueron modificadas por sus compositores para adaptarlas a distintas condiciones de interpretación o de plano al gusto del público de una ciudad distinta. Notando los cambios en el final que Adams ha ido realizando se nota como no está satisfecho con las soluciones que ha implementado hasta ahora. No es fácil de resolver el problema tomando en cuenta que la obra en general no tiene respiros, sino pura inquietud creciente.
Aquí el momento del conteo final antes de la explosión. Está es al versión con la producción de Peter Sellars, la Orquesta Filarmónica de Holanda y Gerald Finley como Oppenheimer:

En la madre... nodriza

Los dos ejemplo anteriores de portadas polémicas (al menos para mi) han mostrado distintas escuelas de diseño (Portada Holst, Portada Alpert). ¿Qué decir de está?

Rimsky-Korsakov compuso Sherezada en 1888. En esas misma época compuso la Obertura a la Pascua Rusa y el Capricho Español. Al año siguiente Debussy escucharía Sherezada en París. Se dice que lo impresionó enormemente el sónido del ruso y su tratamiento del tema marino. Debussy no perdería de vista esto 15 años más tarde en su La Mer.

La fuente de inspiración son Las mil y una noches, aunque seguramente RK las leyó en la edición francesa o inglesa, porque la historia de los siete viajes de Simbad no está incluida en la versión persa original. La obra resultó novedosa tanto por su forma de “suite sinfónica” como por su elemento cíclico.

Pero bueno, en realidad quería compartir con ustedes la portada de esta grabación. Podría parecer desafortunadamente “psicodélica”, pero la idea de un disco de 33 1/3 revoluciones por minuto como alfombra mágica para viajar a tierras lejanas… la adoro.

La publicación de izquierda norteamericana Mother Jones publicó en marzo una serie de notas sobre la tortura en las prisiones de Guantanamo e Irak. Resulta que a partir de un reporte filtrado a la prensa y entrevistar a varios veteranos, la publicación compiló una lista de canciones frecuentemente usadas en estas prisiones como tortura (si tienen tiempo y les interesa el tema, revisen el extensísimo reportaje sobre un veterano. Lejos de los excesos de nuestro discurso político, retrata al militar en su dimensión humana, sin el exceso blanco-negro). La lista original (en inglés) está aquí.

El tema de Barney y la pieza de Christina Aguilera me parecen ejemplos de la crueldad infinita que han logrado los norteamericanos en cuanto a la tortura. Sin embargo, no son perfectos. ¿Quieren lograr resultados óptimos?

Hay por ahí música académica contemporánea de compositores mexicanos que lograría hacer que cualquiera se declare culpable del crimen más atroz. Obvio no me refiero a toda la música mexicana. Sólo a aquellas obras producto de las pequeñas mafias artísticas mexicanas. En pocas palabras, esos discos que no les interesa oir ni a los papás del compositor, menos a nosotros como sufrido público. En serio. Y además podría convenir a todas las partes.

Me explico. Howard Knopf, influyente abogado canadiense especializado en derechos de autor (copyright) sugiere en su blog que la utilización de estás piezas deberían generar regaláis para sus autores, ya que básicamente se están usando en un espacio público. Entonces, si la milicia norteamericana decidiese usar algo de esta música de concierto mexicana (me refiero a esos discos que no les interesa escuchar ni a los familiares de los compositores y/o intérpretes, y que se graban gracias a los entramados de complicidades entre artistas que necesitan justificar becas y compañías que aprovechan para hacer curriculum con ello) habría varios beneficios: 1) se venderían varias copias de los discos, recordemos que hay muchas prisiones militares ilegales mantenidas por EUA en el mundo; 2) los artistas involucrados tendrían, quizá por vez primera, audiencias verdaderamente “cautivas”; 3) ganarían algo por los derechos autorales de sus obras; 4) los torturados confesarían incluso cuantos juguetes se robaron del supermercado cuando niños.

Es más ahora que está de moda torturar en México (recuerden a ese notable alcalde leonés que gustoso indicó “me vale Wilson” respecto a los recién vistos videos de entrenamiento en técnicas de tortura de la policía municipal) ¿imaginen cuantas copias se podrían vender si cada municipio comprase cd’s?

Bueno, yo nomás decía…

Usted, amable lector ¿con que música torturaría a alguien?

If you can’t say it clearly, you don’t understand it yourself.

John Searle, filósofo.

Escribir acerca de las artes nunca ha sido fácil. O quizá lo contrario es cierto. Es muy fácil escribir y decir sinsentidos ligados ad infinitum acerca de las artes y hacer pasar la verborrea por un discurso “profundo”. Leyendo el blog de la artista plástica Carol Diehl, que me divierte mucho, encuentro un comentario sobre los textos de presentación para la más reciente bienal del Museo Whitney (una de las más importantes en el mundo del arte contemporáneo.

Los ejemplos que cita son verdaderamente fantásticos, dignos de Cantinflas en su mejor momento. Pero las carcajadas cesan cuando uno piensa en la escena del periodismo cultural nacional. En el caso específico de la música clásica, suele oscilar entre lo descarado y lo vergonzoso. En el primer caso, he leído artículos enteros, por ejemplo sobre ópera, mal traducidos de notas del Opera News o Fanfare, pero firmados como propios por algunos aquí. Por el otro lado, sea en la prensa o en la radio, no deja de sorprenderme quien dice de tal o cual disco/artista/obra que es muy bonita, o ya de plano si en enunciador pretende una mayor sofisticación, que es profunda y hermosa.

En una ocasión me toco colaborar con una conductora que decía exactamente lo mismo de toda la música que presentaba. Que si su relevancia, que si su sinestesia, que si su profundidad… después de unos cientos de obras lo único que le quedaba a uno claro es que toda la música es exactamente igual. Y yo me pregunto ¿no es lo contrario lo que hace maravillosa la historia de la música clásica?

En el siglo XIX y buena parte del XX los críticos de arte solían escribir clara y concisamente. No sólo se les entendía sino que era un placer leerlos. Tenía que ser así porque estaban interesados en volver accesibles formas artísticas que frecuentemente eran recibidas con hostilidad por el público más amplio. Cuando uno lee a muchos críticos recientes, no sólo en México, uno se pregunta si les gusta aquello de lo que están hablando y si tienen algún aprecio por el público.

En fin. Para intentar salvar al mundo antes de su inminente colapso, sugiero lo siguiente a editores y productores por igual: prohiban a sus talentos utilizar las palabras “profundo”, “revolucionario”, “hermoso”, “bonito” y si es publicación juvenil la expresión “está bien chido”. Quizá con esto obliguen a sus escritores/locutores a pensar un poco lo que están diciendo. Quizá.

 

Chopin

En su lecho de muerte el famoso compositor Chopin se encuentra entre este vida y la siguiente. En sus horas finales padece un sueño fantástico donde encuentra a una joven enfrentando un destino terrible y el muchachito que luchará por salvarla. En el linde del sueño y la realidad Chopin descubre la luz que brilla en todos nosotros en esta duradera historia sobre el bien y el mal, el amor y la traición. 

No estoy transcribiendo la contraportada de una biografía, o novela, nueva sobre Chopin sino la descripción de un videojuego diseñado por Namco Bandai: Eternal Sonata. Un RPG (juego de rol) para la consola Xbox360º que ya me dieron muchas ganas de probar, más aún porque el villano a derrotar es el malévolo Count Waltz. El vals siempre me ha resultado insoportable, digan lo que digan los apologetas del ritmo de 3/4. Hay quien nace para chambelan, hay quien no. ¿Hay algo mejor que desperdiciar incontables tardes, hasta descomponer los controles, con tal de vencer al malvado conde Vals?

Son más de diez personajes los que podemos controlar para acabar con los malos Cada uno tiene poderes distintos y su propia influencia musical. Los nombres de los personajes son obvios: Alegretto, Chopin (en la gráfica), Claves, Marcha, Polka… ¿de dónde salió Salsa? Bueno, hay que recordar que todo pretende ser producto de un delirio del compositor.

Los dejo con Vladimir Horowitz interpretando uno de los preludios usado prominentemente en el juego, el número 15 en re bemol:

Ayer al comentar el estreno de Albert Herring hice una mención al homosexualismo de Britten. Varios lectores me escribieron quejándose de la falta de respeto o de plano acusándome de mentiroso “¿cómo un artista tan grande como Britten puede ser homosexual?”

Vamos por partes. Señalar su preferencia sexual no es casual o superfluo, ya que escribió mucha de su obra para tenor con la voz de su pareja Peter Pears en mente (los vemos en la foto acompañados del productor de la BBC, John Ishaw). Sólo alguien que no conozca la ópera mencionada puede extrañarse. Para quienes en efecto no la han escuchado, resumiré así la historia: en un pequeño poblado se busca a la reina para las festividades de mayo. Es difícil la elección pues al parecer ya no hay virgenes, así que se decide cambiar la modalidad y escoger un rey. La elección es fácil pues es conocida la condición virginal del buen Albert Herring, objeto de la mofa cotidiana por el dominio que su madre ejerce sobre él.

Ahora bien, si no es clarísima la referencia al homosexualismo (que no era ni remotamente secreto en la comunidad artística inglesa) de Britten, pues que nos ampare monseñor Abascal.

Además hay que recordar que parte del libreto de una de las ópera más recordadas de Britten, Billy Budd, fue escrito por el también homosexual E. M. Forster . Imposible ignorar el tono explícito ¿autobiográfico? de una de sus novelas, Maurice, y su declarado malestar ante la hipocresía de la sociedad británica de la primera mitad del siglo XX, frecuentemente retratada en Pasaje a la India, Una habitación con vistas, Howards End, etc.

Sin embargo, al señalar ese dato no pretendo hacer una apreciación de valor. No califico y mucho menos descalifico la obra de Britten por sus preferencias sexuales, pero es obvio que en el caso de sus óperas sólo alguien muy necio-ciego-conservador (úsense los términos de manera intercambiable) negaría los guiños que el compositor incluye en las obras. Eso no las hace mejores o peores. Me sorprende que en pleno siglo XXI parezca escandaloso un estilo de vida sobre el que Britten podía producir una obra tan divertida hace 51 años.

Para quienes piensan que no es cierto el dato, recomiendo la lectura de del libro de Michael Wilcox Benjamin Britten’s Operas (Absolute Press, 1997) donde justamente se realiza un concienzudo y documentado análisis sobre el papel de la sexualidad de Britten en el desarrollo de sus óperas.

Sirva esta nota para disfrutar de otra selección de Britten:

Mañana se estrena en México la ópera de cámara Albert Herring, obra genuinamente divertida basada en una historia de Guy de Maupassant, con libreto de Eric Crozier. Ligera, sin llegar a ser Gilbert and Sullivan, repite el tema común a las óperas de Britten: el sujeto “extraño” y la reacción social ante él. Escuchando con atención, se pregunta uno que tanto del Britten homosexual, y por lo tanto “señalado”, hay en personaje principal. Por cierto hay que señalar que el papel lo escribió Britten para su pareja e inspiración de toda la vida: Peter Pears. Si tienen oportunidad, no deberían perdérsela.

Estreno en México de la ópera Albert Herring, de Benjamin Britten
Solistas Ensamble del INBA
Gabriela Díaz Alatriste, directora huésped
Eric Fernández, piano
Óscar Tapia, director de escena

Viernes 27 de junio, 19:00 horas
Museo de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado (Moneda 4, Centro Histórico)
Entrada libre.

Aquí les dejo una breve selección:

Este domingo presentarán en el Munal una selección extensa de obra vocal de Manuel M. Ponce. No pueden falta quienes siempre buscan donde escuchar música de compositores mexicanos, más aún porque el evento es gratuito. Aunque no está incluida en le programa, les dejo una versión de la que durante muchas décadas fue la canción mexicana más conocida en el mundo: Estrellita. La voz es de doña Ernestina Garfias. La imagen de la película México de mis recuerdos (1963) de Juan Bustillos Oro. Sólo una indicación: prohibido reirse de la imagen… jaja:

Concierto en el marco de la exposición México y la estampa moderna, 1920-1950

Programa:

Tres poemas de Enrique González Martínez

1. Nocturno de las rosas

2. Onda

3. Despedida

Tres poemas de Mariano Brull

1. Granada

2. Por el ir del río

3. Verde halago

Tres poemas italianos

1. Ho bisogno

2. Romanzetta

3. Forse

Sperando, sognando

Dos poemas de Balbino Davalos

1. Cerca de ti

2. Lejos de ti

Dos boleros

1. Insomnio

2. Espera

Manuel M. Ponce

Silvia Rizo, soprano

Armando Merino, piano

Sábado 28 de junio, 12:00 horas

Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte (Tacuba 8, Centro Histórico)

Entrada libre